Diamond Card - Sconti in ristoranti, cinema e shopping a Palermo
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"Caravaggio" al Teatro Massimo - Biglietti al 50%
19/06/2026 - Offerta Diamond Card per le recite del 25 e 26 giugno 2026
Debutta al Teatro Massimo il balletto "Caravaggio", spettacolo che esplora il genio e il tormento del celebre pittore attraverso un linguaggio intenso e contemporaneo.
La coreografia è di ...continua a leggere
Cartone Cialde in omaggio da Regina Carola Caffè
06/02/2026 - Da Regina Carola Caffè ogni 4 cartoni da 80 cialde Pop Caffè Intenso Piacere (Espresso Made in Italy), 1 cartone in omaggio.
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Regina Carola Caffè
Via Dante ...continua a leggere
Le Palme Atelier da Monnalisa Calzature
22/12/2025 - Le Palme Atelier arriva a Palermo!
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Menù Pizza completo al Rustichetto a soli 12,50€
23/10/2025 - Promozione Pizzeria "Il Rustichetto".
Un'offerta completa di tutto, dagli antipasti vari ed abbondanti alla pizza a scelta, al dessert, tutto incluso in uno strepitoso prezzo da non perdere.
Menu Pizza Completo 12,50€ a persona (invece di ...continua a leggere
Rinascente Shopping Day 16 Aprile 2025 - Sconti fino al 30%
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Sconti fino al 30% su nuove collezioni ...continua a leggere
Campagna pubblicitaria Diamond Card Autobus Amat
05/11/2024 - Sali a bordo della convenienza!
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Se li trovi, scatta una foto e taggaci ...continua a leggere
COUTURE
Angelina Jolie è Maxine Walker, regista americana neodivorziata, proveniente dal cinema di genere e alle prese per la prima volta con un lavoro per il settore della moda, ma anche con un'inaspettata diagnosi medica che la costringe a riconsiderare ogni scelta; Anyier Anei è Ada, una giovanissima modella nata in Sud Sudan e cresciuta in Kenia, scappata dalla guerra, che si ritrova a Parigi di nascosto dal padre, senza aver mai camminato sui tacchi, per l'occasione che potrebbe cambiarle la vita; Ella Rumpf, infine, è Angèle, truccatrice esperta, sempre di corsa tra un set fotografico e l'altro, col sogno di pubblicare un giorno le cose che scrive nel pochissimo tempo libero.
Tre attrici, tre personaggi, tre donne, riunite nell'unità di tempo e di luogo di una Fashion Week parigina. Un'altra donna le guarda da dietro l'obiettivo della camera, Alice Winocour, che si è fatta conoscere grazie alla sceneggiatura di Mustang e firma con Couture il suo quinto lungometraggio da regista.
C'è una forte intenzione programmatica rispetto all'oggetto/soggetto del film, e cioè l'universo femminile osservato in alcuni suoi pianeti, distanti tra loro ma collegati in un'ideale galassia di genere, che pesa in parte sull'esito finale del film, il quale sembra correre ai ripari, per cautelarsi dall'accusa di separatismo, includendo il personaggio del direttore della fotografia interpretato da Garrel, partner giustamente volitivo sul lavoro ma capace, nel privato, di vedere la sofferenza e di starle accanto.
C'è, però, all'opera anche una prova significativa e apprezzabile di femail gaze: un'attenzione alla modalità di esposizione del corpo, che dà significato alla scelta dell'ambientazione nel mondo delle sfilate, un entrare consapevole in scena, sullo sfondo, della vicenda autobiografica di Jolie, e un risvolto empatico e seminascosto di tutti e tre i personaggi principali, simile a quel punto invisibile dentro il quale la giovane sarta che ha appena completato il suo primo abito da sola cuce un capello per portafortuna.
La problematicità senza scampo della combinazione di carriera e vita privata, nel personaggio della regista, che la porta quasi a mettere in discussione il da farsi ("Ho lavorato così tanto per arrivare qui"); il peso sentimental-ricattatorio della richiesta del fratello di Ada perché lei torni ad alleviare la sua solitudine, col senso di colpa che può derivarne in chi si sta faticosamente emancipando; la difficoltà di credere in se stessa di una donna che non ha studiato per scrivere, ma la scrittura la pratica in ogni momento libero (con la benedizione di Marguerite Duras, che vale molto di più del giudizio di qualche editor a pagamento), sono sfumature che arricchiscono questi ritratti in movimento, non proprio finemente dettagliati.
Il progetto di scrittura della make up artist, che trascrive e traduce sulla carta gli incontri con le donne che le capita di incrociare, per un tempo più o meno breve, è naturalmente il progetto stesso del film, ma l'occasione avrebbe meritato maggior approfondimento.
COYOTE VS. ACME
Willy il Coyote, come al solito, non se la passa bene: la sua infinita caccia al velocissimo e
inafferrabile Beep Beep continua a risolversi in una serie di catastrofici fallimenti, spesso
determinati dal malfunzionamento della strumentazione e degli esplosivi acquistati per
posta dalla ACME. Quando vede alla Tv lo spot dell'avvocato Kevin Avery, pronto a fare
causa proprio alla ACME per incidenti da cartone animato, Willy parte per Albuquerque e
porta con sé tutta la montagna di prodotti difettosi comprati da ACME. A Kevin la causa
sembra troppo grossa, ma l'astuzia del Coyote e la solerzia di una assistente dello studio
legale lo portano ad accettarla. Kevin confida di risolvere tutto in un rapido
patteggiamento, ma il Coyote dà fuoco alle carte e innesca così una guerra legale senza
esclusione di colpi, che coinvolgerà molti dei più celebri personaggi dei Looney Tunes.
Coyote vs. Acme è un legal drama dell'assurdo, è il nuovo Roger Rabbit, è un'opera contro l'impunità delle grandi aziende, contro la sperimentazione
sugli animali e, suo malgrado, è anche un'opera che riecheggia la battaglia della propria
faticosa distribuzione.
Il film di Dave Green, prodotto da James Gunn, è ispirato a un brillante articolo umoristico
pubblicato sul The New Yorker a firma di Ian Frazer nel 1990, scritto con la
secchezza linguistica di una fittizia causa legale, ma proprio per questo irresistibile nel
raccontare i danni fisici e morali subiti da Willy il coyote nella sua inesausta caccia al Beep
Beep. Ci sono voluti anni perché si decidesse di farne un film e altri anni ancora per
scrivere un copione che convincesse la Warner Bros, ma l'avventura era solo iniziata. A
film ultimato infatti la Warner, decide di chiuderlo in un cassetto e derubricarlo come una
perdita netta in modo da guadagnarne un rimborso fiscale (come Batgirl, che
però non ha mai ultimato la post-produzione). In molti si indignano e tra loro anche
importanti voci di Hollywood come il duo Christopher Lord e Phil Miller. La Warner
raccoglie così le offerte di studios e stremer, ma alla fine decide di nuovo di cancellare
l'uscita e considerarlo una perdita. La campagna di protesta si riaccende sui social e nel
2024 il protagonista Will Forte, dopo aver visto il film, lo descrive come un'opera toccante
sostenendo la causa. Nel 2025 il film viene acquistato per 50 milioni di dollari dalla
Ketchup Entertainment, che già aveva salvato da una distribuzione diretta su HBO Max
Un'avventura spaziale - Un film dei Looney Tunes. Il film avrà così
distribuzione e se pur non è un esatto riflesso di questa vicenda, perché non racconta una
battaglia per la libertà d'espressione, è senz'altro una storia in stile Davide e Golia e una
sorta di class action contro una grande corporazione.
Realizzato in tecnica mista, con live action e animazione 2D e 3D, unisce il mondo dei
cartoon a quello degli esseri umani con una inatteso rigore, senza rompere la quarta
parete e senza mai dare la capacità di parola a Willy o a Beep Beep. Il primo è infatti
dotato di un numero limitato di cartelli su cui mostrare brevi frasi e il secondo non fa altro
che il suo caratteristico verso, eppure entrambi riescono a trovare posto nel più verboso
dei generi, quello delle aule di tribunale. Un piccolo miracolo di astuzia, aiutato
dall'animazione fortemente espressiva che ha sempre caratterizzato i personaggi Warner
e da un'ottima prova comica di Will Forte e di John Cena, nei panni del villain Buddy
Crane.
Così crudele da ricattare Titti minacciando di rovinare la sua nonnina, Crane ha anche
fatto imprigionare in una sorta di spazio liminale il geniale Dr. Lorre (che già dagli anni
Quaranta presenta le fattezze del grande Peter Lorre). Lorre infatti aveva protestato contro
l'uso dei cartoni animati come cavie delle invenzioni della Acme, che produce qui pure
articoli per umani perfettamente sicuri, perché appunto testati sui personaggi animati.
Questi hanno non per caso fattezze di animali, infatti l'animalismo è uno dei temi al cuore
del film, che racconta del resto anche di come un uomo impara a essere amico di un
canide.
Coyote vs. Acme non ha la finezza metacinematografica di Chi ha incastrato Roger Rabbit? Ma è ricco di passaggi esilaranti e vanta un efficace colpo
di scena che naturalmente non riveleremo. Non solo intrattiene, ma trova pure una
risoluzione finale toccante, con il confronto più sincero che Willy e Beep Beep hanno mai
avuto. Difficile restare indifferenti, perché la popolarità del personaggio di Chuck Jones e
Michael Maltese fa appello a caratteristiche davvero universali della condizione umana.
Parafrasando un poco quel che cantava Finardi: siamo tutti come Willy il Coyote, che cade
ma non molla mai...
HARRY POTTER E LA PIETRA FILOSOFALE
Harry Potter vive con gli zii e il cuginetto sin dalla più tenera età dopo la morte dei suoi genitori. I parenti non lo amano per nulla. Harry sta ormai per compiere undici anni e viene guardato male anche per alcune sue capacità 'magiche'. Che sono effettive perché Harry è figlio di maghi e comincia a ricevere lettere, regolarmente sequestrate, portate da gufi. Dovrà giungere il gigantesco Hagrid a recapitargliene personalmente una perché possa apprendere di essere stato ammesso a frequentare la Scuola di Magia e Stregoneria di Hogwarts. Gli zii a questo punto non possono far più nulla e Harry raggiunge la Scuola dove apprende che il suo nome è già noto e dove scoprirà di avere naturali doti magiche.
Questo non è che l'inizio delle sue avventure ispirate al famosissimo e vendutissimo libro di J.K. Rowling che da madre single e senza una sterlina si è ritrovata ad essere una delle donne più ricche della Gran Bretagna.
Il film mantiene più di quel che pareva promettere. Chris Columbus (nel suo carnet, tra gli altri, Mamma ho perso l'aereo) ha saputo evitare l'ansia da effetto speciale (anche se parte della stampa d'Oltreoceano ha già fatto le sue brave ironie) per puntare tutto sulla storia che segue, fatti i debiti tagli e una variante sul prologo, lo sviluppo del romanzo.
Circondandosi di ottimi attori ha ricostruito un clima Anni Sessanta senza però mai dimenticare gli spettatori (dai 6 ai 60 anni) a cui si rivolgeva. Tanto che si giunge alla morale della favola dopo due ore e mezza di film ancora in grado di intendere e di volere. Cioè non frastornati da una colonna sonora pompata o da mirabilie tecnologiche ma piacevolmente coinvolti da una storia la cui 'magia' sta nel raccontare in modo semplice del (fortunatamente non ancora annullato) bisogno di fantasia della mente umana.
IL CILENO
1976, nel Cile che è appena passato sotto la stretta dittatoriale di Pinochet dopo il colpo di stato. Aldo è un minatore esperto di esplosivi che per sfuggire all'esercito decide di lasciare la moglie e il figlio piccolo per scappare in Italia, a Torino. Con lui c'è l'amico Chapa, e i due cercano di ricominciare trovandosi un lavoro in fabbrica. Ma Torino, e l'Italia tutta, è a sua volta scossa dalle tensioni degli anni di piombo, e Aldo finisce per entrare in contatto con un gruppo di anarchici che hanno bisogno del suo talento per gli esplosivi. Sarà Luciana, una dottoressa che insegna all'università e aiuta le donne ad abortire clandestinamente, a fare da tramite con il cileno e a far sfumare l'uno nell'altro i destini dolorosi di due paesi. Affondando nel terreno fertile di un periodo storico di grande interesse, la regia di Sergio-Castro San Martín si tramuta in un limbo sporco e maledetto, popolato da rivoluzionari lasciati a piedi alla fine del tempo e disillusi dalla loro stessa lotta tra un continente e l'altro. Se l'avvio in Cile, sfrontato e temerario, sembra quello di un western, l'arrivo in una Torino ambrata e claustrofobica relativizza la storia trasformandola in un malinconico tentativo di traduzione tra due mondi, in cui oltre a imparare i nomi dei colori bisogna affrontare il loro significato politico, dall'amarillo dell'ignavia al plomo della violenza. Il compromesso personale di Aldo - accettare di fabbricare le bombe per chi fa gli attentati ma senza installarle in prima persona - è quel tipo di flebile linea arbitraria destinata a non durare a lungo. I meccanismi del genere thriller sono tutti al loro posto ma - di proposito - non vengono mai percorsi da quell'elettricità necessaria a romanzare il sottobosco criminale. Quello de Il cileno è uno sguardo avulso, sufficientemente "fuori asse" da restituirci una visione storica alternativa, diversa da come la ricordiamo (di nuovo, una traduzione). Ed è giusto che sia così quando ci si apre alla commistione e al mescolamento tra voci diverse. Nel materiale elaborato dal regista assieme a Simona Nobile c'è un'intera epoca piena di spunti, soprattutto per quanto riguarda il legame che si instaurò tra la cultura italiana e quella cilena a seguito del golpe: un grande momento di accoglienza e vicinanza verso un popolo di esuli, che oggi ci sembra incredibile sia da un punto di vista politico che umano. In mani più autoriali si sarebbe potuta allargare la lente interpretativa del periodo, ma non è questa la storia privata di Aldo e del suo rapporto con Luciana. Le loro sono anime perdute i cui gesti simbolici finali sono ancora una volta un atto comunicativo a distanza, entrambi di vuota tragicità.
INSIDIOUS - FUORI DALL'ALTROVE
Gemma è una giovane madre che cresce la figlia nella casa in cui è nata e che scopre di poter viaggiare nell'Altrove, il regno-purgatorio delle anime perdute al centro dell'universo di Insidious. Quando un'entità malvagia inizia a darle la caccia, Gemma scopre un'abilità che cambia ogni cosa: non si limita solo a entrare nell'Altrove ma può portare ciò che vive lì nel mondo reale. Una volta che i demoni comprendono il suo potere, il nostro mondo diventa il loro terreno di gioco.
macchina spettacolare progettata per non lasciare un centimetro di palco inutilizzato. Katy
Perry - The Lifetimes Tour Live from Paris appartiene precisamente a questa categoria:
un film-concerto pensato per l'IMAX, costruito per amplificare ogni dettaglio di uno show
già concepito come un gigantesco dispositivo di intrattenimento. A occuparsi della
trasposizione cinematografica è Paul Dugdale, veterano dei documentari musicali, autore
di numerosi concert movie dedicati ad alcune delle più grandi popstar contemporanee. La
sua esperienza si avverte soprattutto nella qualità della resa audiovisiva, nitida,
spettacolare e perfettamente calibrata per restituire allo spettatore la sensazione di
trovarsi dentro l'arena.
Il repertorio, naturalmente, è quello che i KatyCats si aspettano: le hit che hanno costruito
la carriera della cantante sono tutte al loro posto, incastonate in una scaletta che procede
per accumulo e non rinuncia praticamente a nessuna delle trovate associate al suo
immaginario. Ma il vero protagonista dello show è forse il corpo stesso di Katy Perry,
sottoposto a una prova di resistenza che sembra non avere fine.
La cantante cambia
continuamente costume, posizione, registro e coreografia, trasformandosi di volta in volta
in diva, performer, ballerina, acrobata o protagonista di un musical kitsch e coloratissimo.
Anche la struttura del film asseconda questa duplicità. Le tradizionali immagini in bianco e
nero dedicate al backstage fanno da contraltare al tripudio cromatico del concerto e
suggeriscono quanto lavoro ci sia dietro l'apparente spontaneità della macchina pop. Katy
Perry emerge come una perfezionista instancabile, impegnata a controllare ogni elemento
dello spettacolo e a trasformare ogni canzone in un numero autonomo. Se sul palco tutto
deve sembrare facile, naturale e inevitabile, il backstage ricorda invece che dietro quella
facilità c'è una quantità impressionante di preparazione.
Il rapporto con il pubblico è altrettanto centrale. Il fan service è totale e programmatico:
non ci si limita a mostrare la folla in adorazione, ma la si trasforma in parte dello show. Sul
palco finiscono spettatori scelti direttamente tra le migliaia presenti, da due tenerissime
gemelline ai personaggi più eccentrici e freak, che sembrano incarnare la dimensione più
giocosa e inclusiva della comunità dei fan. È un meccanismo antico quanto il pop, ma Katy
Perry lo porta a un livello quasi industriale: ogni spettatore può diventare protagonista per
qualche minuto, purché contribuisca alla grande festa collettiva.
Dugdale asseconda tutto questo senza cercare di imporre una particolare visione
autoriale. La macchina da presa segue, esalta, moltiplica i punti di vista e soprattutto
valorizza la dimensione fisica dello spettacolo. Il formato IMAX diventa così parte
integrante dell'operazione: scenografie gigantesche, effetti luminosi, costumi e coreografie
sono concepiti per occupare tutto il campo visivo e trasformare il cinema in un'estensione
dell'arena. Non è tanto la dimensione documentaria a interessare quanto la possibilità di
ricreare, per chi non c'era, un'esperienza sensoriale il più possibile prossima a quella dal
vivo.
Rimane, naturalmente, una certa ambivalenza. Come spesso accade con Katy Perry, il
sentore di plastica è in agguato. Tutto appare levigato, confezionato, colorato,
perfettamente commestibile: la trasgressione è addomesticata, l'eccesso è progettato e
persino l'imprevisto sembra avere il proprio spazio già previsto dal copione. È un pop che
non sembra avere alcuna intenzione di sporcarsi le mani con l'ambiguità o con
l'imperfezione.
The Lifetimes Tour Live from Paris è un monumento allo spettacolo e alla relazione tra una
popstar e il suo pubblico. E proprio per questo funziona soprattutto per chi è già disposto a
lasciarsi conquistare. Se si cercano complessità, rischio o una qualche forma di
reinvenzione dell'immaginario pop, difficilmente saranno queste le coordinate giuste. Se
invece si desidera vedere Katy Perry portare all'estremo la propria idea di intrattenimento,
l'operazione è pressoché inattaccabile. Perché forse, per una volta, non c'è nessun
secondo fine da cercare: la festa è il contenuto.
KETTICÈ
Palermo, 2012. Giulio Uberti ha 16 anni e nessun posto nel mondo. Figlio di una coppia
ricchissima e fortemente disfunzionale, di un padre distratto e una madre delegittimante, vive in un
palazzo principesco e frequenta un liceo privato dove l'insegnante di lettere insulta periodicamente
l'ignavia dei suo otto studenti, etichettandoli "braccia tolte all'agricoltura". La fidanzatina Elena
molla il ragazzo da un momento all'altro, una compagna lo corteggia, gli amici lo accompagnano
nei vagabondaggi notturni a base di erba e sambuca. Giulio trova l'anima gemella, o il suo doppio,
in Ketty Mendola, che "è bona e picchia forte", e che percorre con lui la città in minicar, alla
perpetua ricerca dello sballo giusto. Il ragazzo fa sega a scuola, nasconde alla madre il pagellino
pieno di insufficienze gravi, non si allena più a calcio (tanto la sua squadra perde sempre), flirta un
po' con la sua groupie, ma non con Ketty, che è vergine e di cui comunque ha un innato rispetto.
Intorno a lui l'Italia dei reality e di Berlusconi, le risse di strada (fra ragazze) e la troika autoritaria:
gli sbirri, la scuola, i genitori.
Ketticè è l'opera seconda del neotrentenne Giovanni Tortorici, componente della
factory di Luca Guadagnino da quando ha lavorato con lui alla serie We Are Who We Are, e se il suo film d'esordio, Diciannove, illustrava la quotidianità scomposta di
un, appunto, diciannovenne alle prese con l'ingresso nel mondo adulto, Ketticè
regredisce nel tempo verso la piena adolescenza, in una Palermo dove piccola e grande borghesia
si incontrano sulle strade della bamba (Ketty ha uno zio in galera per mafia, Giulio una nonna che
cita il Gattopardo e una ex che riabilita Mussolini, considerandosi un'intellettuale perché legge libri
e vede un sacco di documentari).
Tortorici ci catapulta in questo mondo distopico (ma realistico) e dentro l'angoscia esistenziale di
Giulio, che è il perfetto precipitato di una società allo sbando, in cui i programmi della De Filippi
hanno già fatto il loro danno e Berlusconi risulta simpatico agli italiani anche quando pulisce la
sedia di Travaglio a Servizio Pubblico (gennaio 2013, per datare l'evento). Il ragazzo è l'unico a
rendersi conto, in modo subliminale, di avere bisogno di quell'aiuto che non gli arriverà certo dalla
madre insultante o dal padre aristocraticamente scollegato, né dai suoi insegnanti frustrati che
denunciano la sua mancanza di interessi senza saperne suscitare alcuno.
Il regista e sceneggiatore si diverte con i ralenti e le inquadrature studiate, compone una colonna
sonora che comprende Fabri Fibra e Flo Rida + Keisha (che citano i Dead or Alive di metà anni
Ottanta, ovvero prima della nascita di Giulio & friends), il cantante neomelodico catanese Gianni
Vezzosi e Nino D'Angelo come il libanese Marcel Khalife, e che fa da canto coreutico alle azioni in
scena. Tortorici dà carta bianca anche alla musicalità jazz del dialetto dei suoi protagonisti
(consigliamo di moltiplicare i sottotitoli, per noi non palermitani) e spesso fa pipì fuori dal vaso, il
che è auspicabile per un nuovo autore, ma richiederebbe una maggiore presenza produttiva (la
cordata di produzione è impressionante), non per sminuirne l'ispirazione, ma per arginarne il facile
onanismo.
La scelta degli interpreti qui è fondamentale, e mentre i due protagonisti, Salvatore Gallina e la
strepitosa Rachele Testagrossa (Giulio e Ketty), sono eccezionali per naturalezza, con Testagrossa
davvero ipnotica e magistrale nel dare corpo ad un personaggio femminile originale e convincente
(e qui la lode va anche al Tortorici sceneggiatore che l'ha immaginata e costruita), alcuni degli
attori e non attori di contorno sono eccessivamente amatoriali, in primis Monica Bellucci che si cala
nei panni della madre di Giulio apparentemente come concessione promozionale al film.
Tortorici ha un grande orecchio per l'autenticità dei dialoghi e per l'esplicitazione dei rapporti
disadattivi, usa un montaggio sincopato che si libera dei tempi morti per raccontare la vita del
protagonista che è un tempo morto che cammina, si colloca come un funambolo sul crinale della
piccola storia ignobile italiana che ha devastato una generazione (la sua) e segnato una deriva
irreversibile attraverso la tragedia (per molti versi ridicola) di un anello debole della catena
esistenziale: un adolescente in cerca di senso all'interno di un mondo programmaticamente
insensato. E lo slang di questa gioventù bruciata la cui massima aspirazione è diventare campione
di Ruzzle è irresistibile (anche dal punto di vista comico) e infinitamente citabile.
OCEANIA
Nell'adattamento live-action Disney dell'acclamata avventura animata di dieci anni fa, Vaiana risponde al richiamo dell'oceano e, per la prima volta, si spinge oltre la barriera corallina dell'isola di Motunui con il famigerato semidio Maui in un viaggio pieno di insidie per riportare la prosperità al suo popolo. Forse per questo tipo di operazioni il critico dovrebbe farsi cancellare la memoria e vedere finalmente un remake fotocopia in live-action di un cosiddetto classico (non sono trascorsi nemmeno dieci anni...) di animazione Disney di grandissimo successo senza cadere mai in alcun tipo di confronto. Perché, così facendo, avrebbe uno sguardo vergine su una storia e, soprattutto, cosa più importante, su come visivamente è stata portata sul grande schermo. E dunque, pur amando infinitamente di più la morbida e rotonda animazione del primo Oceania, visto che l'adattamento è sempre dello stesso Jared Bush a cui si è aggiunta Dana Ledoux Miller che aveva scritto Oceania 2, il risultato è godibilissimo, complice la regia elegante ed equilibrata di Thomas Kail. Inoltre l'attrice australiana diciannovenne che ha nel sangue quello degli indigeni polinesiani, Catherine Laga'aia, per la prima volta sul grande schermo, è perfetta per interpretare Moana, ops... Vaiana (com'è noto dieci anni fa per l'edizione italiana si decise di cambiare il nome della protagonista che richiamava quello di una famosa attrice porno e di conseguenza anche il titolo del film). Esattamente come Dwayne Johnson - sempre che lo spettatore non si distragga troppo nel seguire l'andamento della folta e imbizzarrita parrucca di The Rock (qui anche produttore) - che interpreta Maui, colui il quale l'aiuterà a salvare il suo popolo. I temi centrali di Oceania, tra cui il coming of age di una ragazza che passa attraverso la ricerca pervicace della propria identità superando il reef proibito, sono tutti intatti e sono spesso amplificati dalla colonna sonora con le stesse musiche che hanno reso celebre il primo film di animazione. Sul versante produttivo le riserve sono invece maggiori perché proporre un remake di un film quando non sono passati nemmeno dieci anni rimane un azzardo o, e il risultato non cambia, dimostra una sempre più drammatica mancanza di idee. In più, paradossalmente, parlando di Disney, sembrerebbe venir 'sminuita' proprio l'animazione, considerata alla stregua di un genere cinematografico e non, come naturalmente è, un film a tutti gli effetti. Ma queste sono elucubrazioni di chi non s'intende di marketing, di target, di "what a fuck" nei film come ha avuto modo di scherzarci su Nanni Moretti. Ribaltando il punto di vista, si potrebbe arrivare a dire che ci troviamo di fronte a un film sperimentale. Un remake in cosiddetto live-action che, per una larga parte, è realizzato proprio in animazione digitale (sempre irresistibili il pollo Hei Hei e il maialino Pua) e che praticamente poco si differenzia dal primo, soprattutto quando la regia deve ricreare il movimento materno dell'isola, con la dea Te Fiti, creatrice della natura, che, corrotta, si trasforma in Te Ka, il mostruoso demone del fuoco. Ma, a dire il vero, anche le sequenze marine poco si discostano dall'originale con un effetto di permanente déjà-vu, un vocabolo che non avremmo mai voluto utilizzare in questa recensione (se solo ci fosse stata cancellata la memoria...). Detto questo forse è meglio affidarsi alle vere novità del 'nuovo' Oceania con il cast di attori 'veri' che funziona ottimamente anche perché scelti tutti - ovviamente eccetto Dwayne Johnson che prestava pure la voce nei due film di animazione - tra interpreti neozelandesi tra i quali spicca Rena Owen che riesce a restituire quel particolare rapporto che si può instaurare tra nonna e nipote a volte in funzione anche un po' critica (e salutare) verso i figli/genitori. Sono questi i momenti, anche un po' magici, che danno un senso a operazioni di questo tipo anche se un senso non ce l'hanno. Maledetta memoria!
ODISSEA
Ulisse, eroe degli achei di proteiforme ingegno, ha ideato lo stratagemma del cavallo di Troia per porre fine ai dieci anni di assedio della città e finalmente conquistarla. La vittoria gli permette di partire verso casa, all'isola di Itaca, ma la sua flotta incontra diverse sventure e il suo viaggio lo porta a confrontarsi con minacce sovrannaturali, a visitare l'Ade e a una lunga sosta sull'isola della ninfa Calipso. Nel mentre suo figlio Telemaco, ormai cresciuto, cerca di proteggere la madre Penelope e il trono di Itaca dai proci che si fanno avanti come pretendenti della regina rimasta senza marito. Tra loro Antinoo, aiutato dalla serva di Penelope, Melanto, insidia pericolosamente Penelope.
L'epica si fa cinema in Odissea di Christopher Nolan, con impressionanti mezzi produttivi e sforzi tecnici, ma pure con una intelligente e attuale rilettura.
Attraversa l'intera opera, costantemente citata, la xenia, la legge di Zeus, ossia la sacralità dell'ospite, non importa quanto umile, dietro al quale potrebbe nascondersi un dio. Inoltre la pratica di onorare i morti, a sua volta cruciale nella cultura greca, è più volte chiamata in causa con nefaste conseguenze. Odisseo è infatti formalmente un campione di questa civiltà ma è allo stesso tempo un uomo spregiudicato che all'occorrenza infrange questi due tabù. Per questo è anche un uomo perso, colpevole di aver portato alla morte nemici così come alleati, si ritiene indegno di tornare a casa e diventerà davvero determinato a farlo solo quando verrà a conoscenza delle insidie che minacciano sua moglie Penelope. Come Il cavaliere oscuro, anche Ulisse è un eroe che deve rinunciare a far parte della società, che accetta su di sé il peso di scelte estreme, ma a differenza di Batman la sua storia è assai più rilevante, moderna e ancestrale al tempo stesso. In un mondo contemporaneo ancora dilaniato dalla guerra, il viaggio di Odisseo è il percorso di pentimento e redenzione di un reduce, che ha partecipato a una guerra crudele e ingiusta e viene costretto a riconoscerlo, accettando il peso degli orrori del conflitto così come la punizione che ne consegue.
Odissea è ambientata in un'era lontana ma ne racconta la fine, come Oppenheimer è attraversata dallo spettro dell'Apocalisse, che anche in questo caso è alle porte non per il nemico ma per le azioni degli stessi "eroi". Il cavallo di Troia, come la bomba atomica, è una violazione dei codici sacri del conflitto, è la rottura delle leggi - divine o meno che siano - che costituiscono il tessuto stesso della civiltà. Odissea, per quanto non manchi di numerosi passaggi fantastici e di nominare gli dèi, li fa intervenire assai meno che nel mito greco, anzi diremmo che non li fa intervenire per niente. È nelle sue figure tragicamente umane che si compie la profezia dell'arrivo degli uomini dal mare, che segna la fine della civiltà per ragioni del tutto interne. Emblematica è in questo senso la sorte di Agamennone, il vincitore della guerra che sarà ucciso per il sacrificio commesso per avere la vittoria. Nel racconto di Omero, come nelle Eumenidi di Eschilo, non è negata la colpa di Ulisse, ma l'intervento di Atena ristabilisce l'equilibrio della società civile, mentre nella versione di Nolan non c'è alcun "deus ex machina" a scongiurare i peggiori presagi. Ulisse, come Oppenheimer, è diventato un distruttore di mondi.
Se la rilettura tiene egregiamente i molti fili narrativi della storia, adattata anche nelle sue parti meno avventurose e con pochi tagli, la visione spettacolare di Nolan regala molte scene memorabili. In particolare la visita all'Ade, la caduta di Troia e una Circe interpretata da Samantha Morton, che pratica trasformazioni secondo una estetica sorprendentemente body horror. Il film trova non solo messaggi pacifisti ma pure femministi, perché questa è la caduta di una società patriarcale di cui le donne per prime vedono i limiti, ma si tratta di passaggi che pur suonando molto moderni - ma poi nemmeno tanto se si ripensa alle tragedie come Medea - non interrompono mai il flusso del racconto. Un parziale inceppo in Odissea, come già in Dunkirk ma meno grave, è nel senso di scala: la flotta di Ulisse è infatti qui di sole tre navi, perché a Nolan non garba moltiplicarle in digitale e nemmeno può ricostruirne una dozzina. Comunque poco male, perché chiunque conosca la storia sa che le navi saranno presto ridotte a una sola. Un altro limite è nelle discutibili coreografie d'azione, dove il regista si affida ancora una volta a un montaggio confuso, buono per la caduta di Troia, ma non per altri duelli. Le riprese in IMAX a 70mm, per la prima volta per un intero film oltretutto lungo quasi tre ore, compensano però ampiamente queste piccole cadute spettacolari.
ONE NIGHT ONLY - QUANDO TUTTO È POSSIBILE
Allie e Owen, due sconosciuti affamati d'amore, s'incontrano in una New York leggermente romanzata nell'unica notte in cui ai single è permesso fare sesso.
SPIDER-MAN - BRAND NEW DAY
Dopo aver fatto dimenticare al mondo la sua vera identità, con l'aiuto del Doctor Strange, Peter Parker ha ripreso la carriera di Spider-Man, questa volta in modo del tutto solitario - con il solo appoggio dell'intelligenza artificiale E.V. Dopo aver sconfitto vari criminali, aver ridotto il crimine a New York, aver ottenuto la simpatia dei cittadini e pure delle forze dell'ordine, Spider-Man si trova di fronte a una nuova minaccia: una entità capace di possedere le persone. Questa cerca qualcosa di nascosto dalla Damage Control, l'agenzia governativa che controlla l'uso dei superpoteri e delle tecnologie più avanzate. Inoltre, sul fronte privato, Peter Parker si imbatte nell'amico Ned, ritornato da Boston insieme a MJ. Nonostante avesse scelto di non rivelare la propria identità, lo segue a un party nel suo nuovo appartamento e qui si rende conto di aver perso, forse per sempre, qualcosa di estremamente prezioso. Nel frattempo, i poteri di Spider Man iniziano a funzionare in modo anomalo e presto Peter si trova a cercare di combattere una sconcertante evoluzione.
Spider-Man: Brand New Day è una ripartenza che riporta il personaggio verso avventure più urbane e meno metafisiche, ma che lo costringe anche ad andare avanti e ad accantonare l'idea adolescenziale di essere un solitario.
Destin Daniel Cretton si conferma un regista tra i più promettenti della nuova ondata Marvel: dopo aver convinto già con Shang-chi e la leggenda dei Dieci Anelli e con l'ottima serie tv Wonder Man, ora dimostra di sapere maneggiare anche le complesse acrobazie aeree dell'Uomo Ragno. Si avvale ancora una volta del coreografo Peng Zhang e, grazie alla fisicità di Tom Holland che ha una formazione anche da ballerino, realizza stunt impressionanti, più concreti di quelli che si erano visti in passato. Convince meno, per quanto divertente, il rapporto tra Peter Parker e Frank Castle, che appare come uno zio burbero più di quanto ci si aspetti da un personaggio duro e tormentato come il Punitore. L'identità della misteriosa villain interpretata da Sadie Sink è stata protetta in promozione da un fitto segreto e quindi sarebbe criminale svelarne alcunché. Ci limitiamo a dire che la rivelazione su di lei è davvero forte e che, soprattutto, l'arco narrativo del suo personaggio è in linea con i temi del film.
Al di là della spettacolarità delle avventure di Spider-Man, dove spiccano in particolare combattimenti con i ninja della Mano e con Hulk, il film dà il meglio di sé sul fronte umano in particolare nel rapporto con Ned e MJ, che non si ricordano di Peter ma che lui non può dimenticare. Il confronto con loro inizia quando durante un party parte in sottofondo il brano di Tame Impala Loser, il cui testo è particolarmente appropriato alla situazione. Recita infatti: "Tried to correct it, I think I wrecked it", chiaramente riferito alla vita che Peter ha cercato di aggiustare e che ora capisce di aver finito per sfasciare. In questo senso è un'interessante contraltare del protagonista il personaggio di Frank Castle, che a differenza di Peter ha visto la sua vita distrutta da una tragedia ed è costretto alla solitudine, mentre la scelta del supereroe di nascondere la propria identità all'amico Ned e a MJ per proteggerli è ancora reversibile. La villain del film si trova a sua volta in una situazione simile, in cui è ancora in tempo per fare un passo indietro e salvarsi da un cammino solitario e autodistruttivo.
Riguardo poi il tema della mutazione il dottor Banner, ossia l'incredibile Hulk, cerca di controllare il suo mostruoso alter ego con la tecnologia, ispirando l'eroe a fare lo stesso con la propria mutazione in corso. Se per Banner però si tratta di una scelta quasi obbligata, perché Hulk è davvero una forza incontrollabile, la mutazione in corso di Peter è invece ancora misteriosa e tutta da scoprire. Infine, di nuovo, la villain ha un arco parallelo a quello del protagonista, perché a sua volta le sue capacità si evolveranno nel corso del film, ma sarà contraria all'idea di castrarle attraverso la tecnologia. Queste metamorfosi, per quanto fantastiche, sono naturalmente metafore del processo di crescita e maturazione di ogni ragazzo o ragazza, e i film di Spider-Man, in particolare questi con Tom Holland, continuano così ad avere i caratteri di un cinema di formazione, iperbolico nella forma ma, nei casi più felici, umano nella sostanza.
THE DOG STARS - LE STELLE DOPO LA FINE
In un mondo post apocalittico, un virus annienta l'umanità. I sopravvissuti dovranno vedersela con degli spazzini vaganti chiamati Mietitori. Il protagonista Hig, un pilota, sopravvisse all'influenza ma perse la moglie.
THE INVITE - IL PIACERE È TUTTO NOSTRO
Joe e Angela sono stati molto innamorati, uniti insieme dalla musica: Joe era un pianista di talento, e Angela amava il suo modo di suonare. Ma dopo molti anni di matrimonio il loro rapporto si è logorato, vittima delle frustrazioni artistiche e professionali di lui e della solitudine domestica di lei: al momento più che parlarsi battibeccano, rinfacciandosi le reciproche delusioni. Quando Angela invita a cena i vicini, la spagnola Pina e lo spirituale Hawk, l'obiettivo di Joe è soprattutto quello di chiedere loro di essere meno rumorosi quando fanno l'amore. Ma la cena con Pina e Hawk scompaginerà le carte per tutti, dando luogo ad un gioco di rivelazioni che coinvolgerà ciascuno dei presenti, mettendo a nudo le meschinità e le paure di tutti. Non guasta che fra Pina e Joe, così come fra Hawk e Angela, ci sia una forte attrazione sessuale, che troverà (possibile) riscontro in una proposta di sesso di gruppo. The Invite è la terza regia dell'attrice e regista Olivia Wilde, che dopo il promettente debutto dietro la cinepresa con La rivincita delle sfigate e la meno riuscita opera seconda Don't Worry Darling trova una cifra consona al proprio pungente senso dell'umorismo e alla propria verve interpretativa. The Invite è il remake di un film spagnolo del 2020, Sentimental di Cesc Gay, a sua volta basato sulla sua pièce teatrale "Los Vecinos de Arriba" (e forse anche a questo è dovuta la presenza del personaggio di Pina interpretato da Penelope Cruz), ma assume toni e colori anglosassoni nella riscrittura di Will McCormack e Rashida Jones ed esce dai canoni rigidi del Kammerspiel grazie alla regia movimentata di Wilde e al commento musicale incalzante e sincopato di Devonté Hynes, meglio noto come Blood Orange, che accompagna la progressione geometrica delle scene (Hynes è stato anche il compositore della serie We Are Who We Are di Luca Guadagnino). Wilde fa affidamento su un ottimo cast, a cominciare da se stessa, opportunamente ambigua e contradditoria nel ruolo di Angela, per proseguire con Seth Rogen che attribuisce a Joe, oltre al suo tipico sarcasmo e alla sua classica risatina chioccia, un sottotesto autenticamente doloroso e un disincanto molto credibile. A Penelope Cruz tocca il ruolo dell'europea disinibita, che gestisce con la libertà radicale delle sue scelte artistiche, mentre Edward Norton naviga il ruolo di Hawk, irritante al punto giusto e in grado di rivelare a poco a poco i vari strati nascosti della sua personalità sfuggente. Ci sono momenti in cui l'ambientazione nel solo appartamento di Angela e Joe risulta claustrofobica, in cui il disagio nell'osservare le sgradevolezze d questi quattro personaggi diventa incontenibile e in cui l'accumulo degli eventi e delle svolte nella caratterizzazione dei personaggi appare elaborato ed eccessivo, ma in generale The Invite è una commedia romantica acida al punto giusto e adatta ai nostri tempi rancorosi e insoddisfatti. Si ride amaro e alla fine un po' ci si commuove, quando il facile dileggio lascia il posto alla (per niente facile) tenerezza e al rimpianto.
TONY - DIARIO DI UN GIOVANE CUOCO
1975. Tony è uno studente diciannovenne iscritto al Vassar College che sogna di diventare uno scrittore e concorre per una borsa di studio che finanzi lo sviluppo di un suo primo, ipotetico romanzo. È convinto di avere in tasca quella borsa grazie alla sua parlantina, e ci tiene soprattutto a convincere sua madre di non essere il cialtrone che lei crede. È anche innamorato di una compagna di scuola, Nancy, e per farsi bello con lei le assicura di avere già vinto quel riconoscimento. Quando scopre che invece è andato a un'altra studentessa decide di partire per Provincetown, la cittadina balneare di Cape Cod dove Nancy si è trasferita per l'estate, convinto di poterla conquistare. A Provincetown Tony trova lavoro come lavapiatti presso un fast food di pesce capitanato da Ciro, un individuo latinoamericano bizzarro ma generoso, e popolato da uno staff sui generis fra cui spicca Sal, tanto carismatico quanto collerico e ingestibile. Sarà questa la sua improbabile introduzione al mondo dell'alta cucina che lo renderà celebre nel mondo.
Tony, diretto dal regista indipendente Matt Johnson e scritto da Todd Bartels e Lou Howe, narra gli inizi della vita professionale del celebre cuoco, scrittore e personalità televisiva Anthony Bourdain, attingendo liberamente ad alcuni episodi narrati nel memoir "Kitchen Confidential".
È il ritratto affettuoso di una personalità complessa e originale, ma anche di un ragazzo minato da una profonda insicurezza, confuso e scombinato, in cerca della propria identità e in balia dei propri desideri scomposti.
Johnson sceglie di uscire dai canoni standard del biopic agiografico e racconta il suo protagonista attraverso una costruzione altrettanto (deliberatamente) sconclusionata e caotica, come se il film stesso fosse in preda allo sturm und drang e alla confusone esistenziale di Tony. Gli altri personaggi del film, in particolare Sal, ma anche i suoi compagni di lavoro e il capo Ciro, sono personalità altrettanto anomale e imprevedibili, e questo rende il racconto divertente e la messa in scena originale e convincente proprio nella sua eccentricità. Tony è un bugiardo compulsivo non tanto perché voglia ingannare il prossimo, quanto perché cerca disperatamente di inventarsi un'identità più interessante della propria e di attribuirsi un talento che teme di non possedere.
A incarnare il giovane Bourdain è uno degli attori giovani più promettenti della scena cinematografica indipendente americana, Dominic Sessa, che abbiamo visto tenere testa a Paul Giamatti in The Holdovers - Lezioni di vita ed esibirsi come mago truffatore in Now You See Me Now You Don't. Ma il vero mattatore del film è Ciro, il cuoco interpretato da Antonio Banderas con un mix di bonomia e follia che è profondamente nelle corde dell'attore spagnolo. Completano il cast Leo Woodall nei panni del vulcanico Sal, Emilia Jones in quelli di Nancy e il comico e podcaster Stavros Halkias, visto recentemente in Bugonia, nel ruolo dell'aiuto cuoco Stavros.
Tony è più un coming of age che un biopic, nel senso che non è facile, e del resto non è così importante, riconoscere nel protagonista l'Anthony Bourdain curioso e socievole (ma anche supercool) che abbiamo apprezzato attraverso le sue trasmissioni televisive (e la sua storia con Asia Argento), perché la trama funziona lo stesso, anche se illuminare la follia e la fragilità, nonché il desiderio di accettazione, del protagonista da giovane gettano una luce particolare sul suicidio del celebre cuoco, avvenuto nel 2018 a 61 anni. Johnson fa di Bourdain una sorta di Martin Eden, e del suo film un'ode stravagante a tutte le persone fuori dal comune, nonché al bisogno di ognuno di noi di essere visto e riconosciuto nella propria irrinunciabile individualità.
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